Rosalía Banet – Cartografías del dolor

Tras casi seis años sin exponer individualmente en Madrid, la artista regresa a la capital con una muestra que, si bien guarda conexión con su trabajo anterior, en el que reflexionaba sobre la sociedad actual, en cuanto a la estética esta exposición mantiene una continuidad a nivel simbólico: continúo usando el cuerpo y las enfermedades como parte de mi lenguaje plástico, pero al mismo tiempo este trabajo supone un cambio estético y conceptual motivado por la indignante situación actual. Cartografías del dolor muestra el mundo que habitamos como un lugar frágil, lleno de desigualdades, podrido, y surge de la necesidad de no permanecer impasible ante este aterrador panorama político, social, económico e incluso medioambiental, Rosalía Banet.

La exposición en Twin Gallery consta de dos piezas principales enfrentadas entre sí: dos murales compuestos por quince mapas cada uno, dibujados a lápiz sobre una base de acrílico. Uno de los murales refleja la vulnerabilidad de los países más pobres, representados como mapas de piel, en los que la artista junta la geografía de éstos con la piel de sus habitantes.

Como contrapunto, en la pared opuesta se muestra el mural de los países más ricos del mundo, representados como mapas de estómagos negros. Esta serie, “Black Stomach”, se ha inspirado en el concepto japonés “Hara-guroi”, palabra que define a aquellos que de tanta maldad y avaricia tienen el estómago podrido.

Entre los diferentes mapas que conforman la exposición se incluye una serie específica que muestra la piel de España en la que, basándose en estadísticas reales, Rosalía Banet ha representado como enfermedades de la piel o heridas los diferentes horrores con los que convivimos (o las consecuencias de éstos): desde suicidios o pobreza hasta contaminación.

Además de los dos murales centrales y los mapas de piel de España, la muestra incluye unos dibujos en los que se representan los puntos más calientes del planeta en cuanto a inmigración, mapas de fronteras de piel donde se sitúan los muertos o desaparecidos en un intento de huir de sus países y encontrar una vida mejor.

La exposición también cuenta con una serie de dibujos digitales en los que, de manera muy gráfica, se cuestiona y critica la sociedad de consumo, vista como una sociedad de excesos, caos y marginación.

Por último, la muestra se completa con un vídeo muy sencillo, “Doble erosión”, en el que a través de objetos tan cotidianos como unos jabones -un cerebro y un corazón-, la artista nos acerca a la posible causa de este mundo en decadencia: la manipulación. Este vídeo representa la espiral de autodestrucción en la que estamos inmersos como seres humanos, como sociedad en general. Nos habla de la manipulación constante que vivimos, que nos desorienta e inmoviliza. De ahí que aparezcan unas manos, que simbolizan la sociedad de consumo, lavando nuestro cerebro y nuestro corazón, como representación del abuso continuo que sufrimos por parte de los medios, Rosalía Banet.

CARTOGRAFÍAS DEL DOLOR de España (mapa suicidios)

Rosalía Banet

En 1996 me licencié en Bellas Artes en la Facultad de Pontevedra (Universidad de Vigo). En esa época me apropiaba de imágenes rescatadas de libros infantiles, latas de conservas, ilustraciones religiosas, etc., con la intención de manipularlas y cambiar así su sentido original, y de esta forma cuestionar todo lo que aceptamos como “normal”. Un año después de terminar la carrera, en 1997, participé en La Muestra de Arte Joven y en Circuitos de Artes Plásticas.

Desde hace tiempo trabajo sobre el tema de la comida. En realidad, la comida y su entorno me sirven como vehículos para analizar y reflexionar sobre la construcción de la identidad social, cultural e individualmente. Ya en mi primera exposición individual el tema de la comida era recurrente en mis trabajos. La exposición fue en la Galería Marta Cervera, en 1998. Allí presenté una serie de enormes cuadros con tartas nupciales en las que los novios, sobre la cima de la tarta, entre flores de azúcar y merengue, se entretenían con diversos juegos sexuales. La exposición cuestionaba lo establecido como correcto en cuanto al comportamiento social.

En el año 2000 empecé a trabajar con la Galería Espacio Mínimo. Ese año realicé una exposición que bajo el título de Beefcakes homenajeaba al artista Tom of Finland. Más de cien cuadros de pequeñas dimensiones y algunas fotografías sobre la familia pene componían la exposición, que se centraba en el falo como símbolo del sistema patriarcal, cuestionándolo y burlándose de su supuesto poder. Esta exposición tuvo una segunda parte en San Francisco, en la Galería Catherine Clark, donde presenté Wedding Day, individual que recogía las imágenes, con mucho humor, de la boda de la familia pene.

Poco a poco mi obra se ha ido volviendo más interdisciplinar. Desde hace tiempo se desarrolla en forma de esculturas, cuadros, dibujos, fotos o vídeos. Esta variedad quedó reflejada en la exposición Cómeme, cómeme que realicé en 2004 y que presentaba una pastelería repleta de tartas enfermas. La exposición nos llevaba a la boca el dolor y el sufrimiento para mostrarnos aquello de nosotros mismos que más nos asusta, nuestra fragilidad. Esta muestra estuvo claramente influenciada por la tesis doctoral que realicé sobre “Arte y SIDA en España”, cuya lectura tuvo lugar en la Universidad de Vigo justo un año antes (en 2003).

A pesar de lo duro de algunos temas, las imágenes son dulces y alegres. No se trata por tanto de una estética gore, no me recreo en la sangre y las vísceras, aunque sí las utilizo como símbolos del dolor y el sufrimiento.

Cómeme, cómeme tuvo una continuidad en Carnicería Love, muestra que nos introducía en una carnicería humana. Aunque a primera vista las mujeres de la Carnicería Love (las de las fotos, las de los dibujos y la del vídeo) parecían estar preparando recetas con los cuerpos de otros seres humanos, en realidad, se trocean, se hornean, se saltean, en definitiva se cocinan a sí mismas. En realidad, los cuerpos con los que se llevan a cabo las recetas representan la exteriorización de sus sentimientos.

Las cocineras no pretenden dañar o agredir a otros, sino que tratan de mostrar su dolor, su sufrimiento, su impotencia, etc. Los seres que cocinan se convierten en el reflejo de estos sentimientos. Cada receta es por tanto una mirada en su interior, una forma de purgar su dolor.

A raíz de esta exposición surge en mi trabajo un personaje doble, las siamesas Golosas, que en los últimos años han poblado gran parte de mi trabajo. Convirtiéndose en el hilo conductor de muchas de mis obras y desarrollando un proyecto muy narrativo en torno a la vida de estas dos hermanas que por su doble condición física representan la idea de una identidad doble y por otro lado, puesto que se apartan de la normalidad, representan lo excluido, lo marginado, lo monstruoso. Como no podía ser de otra manera, la vida de las siamesas gira en torno a la comida. Comer es una necesidad básica de todos los seres vivos, pero para el ser humano esta acción de supervivencia está cargada de simbología, significados y normas que surgen de la cultura, la sociedad y del propio individuo. Por eso, a través de la comida podemos reflexionar sobre la cultura, la sociedad y el individuo.

La comida que aparece en las imágenes de las siamesas es de apariencia caníbal, sobre la mesa no encontramos verduras ni fruta sino fragmentos humanos. Estas comidas tratan de reflejar la sociedad de consumo como un sistema que bajo la hiper-abundancia y la apariencia de felicidad esconden prejuicios, desigualdades y otros horrores. Por eso los banquetes son tiernos y alegres pero también están cargados de violencia y excesos.

La vida de las siamesas Golosas ha formado parte de varias exposiciones entre las que cabe destacar La Fábrica de Conservas Agridulces, realizada en el Centro de Arte La Conservera en Murcia y Las siamesas Golosas en el Museo de Bellas Artes de Santander, ambas en el año 2009.

A pesar de seguir trabajando en la vida de las siamesas Golosas, éstas han pasado a un lugar secundario dentro de mi trabajo actual, que continúa girando en torno a la alimentación y la enfermedad, no sólo a nivel físico sino como representación de la sociedad actual. La sociedad de consumo que en mis últimos proyectos (Para comerte mejor, Hospital de la Marina, 2010; Eatmoredisappear, Espai Eat Art, 2011; o Edible eaters, Palacete del Embarcadero de Santander, 2013) aparece reflejado como un gran supermercado donde todo está en venta, hasta el ser humano.

En la actualidad estoy preparando una exposición que presentaré a finales de septiembre en Twin Gallery, en Madrid, y que bajo el título de Cartografías del dolor presenta una serie de mapas de piel como representación de la fragilidad del sistema que habitamos.

Mapas De Piel – Haiti

Twin Gallery

El 16 de junio de 2011 Twin Gallery inaugura oficialmente su espacio físico con la presentación de la productora de videoarte neoyorkina Fly16x9. Así nacía una nueva galería de arte contemporáneo en Madrid, dirigida y mantenida exclusivamente por cuatro socias: Beatriz, Blanca y Cristina Fernández, y Rocío de la Serna.

Desde entonces y hasta hoy Twin Gallery no ha dejado de exponer y colaborar en toda clase proyectos artísticos, mostrando la obra tanto de artistas emergentes -Yani Alonso, Daniel Vega o María Viñas-, como consagrados -Pepe Medina, Gema Álava o Isidro López-Aparicio-, y realizando exposiciones colectivas, Un raro visitante y Un raro visitante 2, ambas muestras comisariadas por José Luis Serzo.

Twin Gallery ha mostrado pintura, escultura, fotografía, cerámica, graffiti, diseño, collage… así como ha realizado muestras de videoarte (retransmisión en directo del Festival Alphaville, Londres), instalaciones (el espacio cuenta con una instalación interactiva permanente del tándem Gema Álava-Josué Moreno), y ha participado en circuitos como IN-SONORA, Muestra de Arte Sonoro e Interactivo.

Entre otras actividades, en febrero de 2012 participa en la sección One Project de la feria internacional de arte contemporáneo Art Madrid, así como en octubre es invitada a la sección de Arte Sonoro e Interactivo Sound In, dentro de la feria Estampa (Matadero, Madrid). Asimismo, en diciembre de 2012 colabora con la editora de objetos de artista La Gran, en una muestra que aunaba obras de arte y objetos diseñados por los mismos artistas, dando un nuevo enfoque a la forma de coleccionar y adquirir arte.

Para la próxima temporada, Twin Gallery ya tiene programadas tres exposiciones individuales de artistas con una larga y deslumbrante trayectoria, como Rosalía Banet, Gema Álava y Rosó Cusó; una colectiva comisariada por Óscar García García, director de PAC y comisario de exposiciones, así como la primera muestra individual del arquitecto y artista Tito Pérez Mora, quien participa, junto a Yani Alonso y Daniel Vega Borrego, en SUMMA Fair, la nueva feria inernacional de arte contemporáneo, del 19 al 22 de septiembre en Matadero, Madrid.