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La mínima experiencia por Alberto Vázquez Este crítico suele sentir la tentación de decir, sobre todo ante un auditorio no demasiado exigente, que el minimalismo y el conceptualismo son corrientes conclusivas dentro de la historia del arte moderno. Y, claro, cuando la sede bilbaína del Museo Guggenheim presenta su fantástica muestra Percepciones en transformación: la Colección Panza del Museo Guggenheim, pues uno no pierde la ocasión de repetir la cantinela a cuantos ingenuos estén dispuestos a escucharla. ¿Y por qué lo de conclusivo? Pues, y hablando más de oído que de otra cosa, por dos razones básicas. La primera de ellas es que tanto el minimalismo como el conceptualismo tienen ese carácter que los vuelve resumen de todo lo anterior. Si estudian con detenimiento ambos movimientos, encontrarán que lo que les da razón de ser es suponer el punto final de una larga trayectoria. Dicho de otro modo: cuando ya se ha dicho casi todo y de casi todas las formas posibles lo que le queda al artista inteligente es ofrecerle al espectador inteligente una serie de propuestas mínimas, conclusivas y finales del largo camino recorrido. La segunda razón ya es una consecuencia de la primera: puesto que casi todo está expresado de casi todas las maneras imaginables, poco más queda por decir. Sea o no sea acertada esta aseveración, lo cierto es que de un tiempo a esta parte, nada seductor hemos visto bajo el sol de la creación plástica. Por algo será.
Así que hemos de estar muy agradecidos a Giuseppe Panza di Biumo por decidirse a comprar y coleccionar sistemáticamente obra de estas corrientes estéticas. La historia del arte, y nosotros con ella, hemos de reconocérselo con júbilo. El doctor Panza, junto a su esposa, comenzó a adquirir obras de arte en 1956, pero tuvo que llegar el año 1966 para que se decidieran a comprar arte minimalista y conceptual de manera sistemática. Así, hasta 1975, compraron obras de los que hoy son los más reconocidos en su género: Carl Andre, Larry Bell, Hanne Darboven, Jan Dibbets, Dan Flavin, Hamish Fulton, Jene Highstein, Robert Irwin, Donald Judd, Joseph Kosuth, Sol LeWitt, Richard Long, Brice Marden, Robert Mangold, Robert Morris, Bruce Nauman, Richard Nonas, Robert Ryman, Richard Serra, Joel Shapiro, James Turrell, Lawrence Weiner y Doug Wheeler. El resultado es una magnífica colección de la que el Solomon R. Guggenheim Museum, a través de compras y donaciones, consiguió hacerse con una buena parte.
El museo bilbaíno, porque todo hay que decirlo, ha puesto en marcha un montaje de la exposición excelente. Si algo perjudica al arte conceptual y minimal, es un mal montaje. Si las cosas no se saben hacer como se deben, se puede ir al traste algo que podía haber sido grande. De hecho, pasa día a día. Instalar inadecuadamente obras de este tipo, las desprovee de su significado. Porque, y bien claro está en el propio título de la exposición, de lo que aquí se trata es de percibir lo que las obras están exhalando. Pero si se las condena a espacios obtusos por diseñadores que hacen de la torpeza su desarrollo principal, las obras enmudecen. Así de simple. Así de triste. Pero en la muestra del Museo Guggenheim la tarea está resulta con sobresaliente. Las obras respiran y, porque respiran, transmiten. Ese es el eje central a través del cual gira el éxito de la exposición: las obras están haciendo bien su trabajo. Prueba de ello es que el gran público que visita el museo, poco acostumbrado a los lenguajes complejos que muchos de los aquí representados frecuentan, se siente, al menos en un primer momento, absolutamente desconcertado. ¿Qué demonios es esto?, dicen algunos. ¿Esto es arte?, se preguntan los más reflexivos. ¿Cuántos está costando esta exposición al contribuyente?, arguyen los más avezados. Estamos en el buen camino. El minimalismo no deja indiferente a nadie. Y éste es el primer paso hacia la comprensión. Lo cual, se torna harto complicado en Bilbao ya que el minimalismo, y la colección Panza en particular, siempre gozaron de mala reputación en la ciudad desde que hace casi una década, cuando el proyecto Guggenheim no era más que el sueño loco de algunos, se decía que la sede vasca no iba a ser otra cosa distinta de un montón de obras de segunda fila, desechos de otras colecciones y escombros variopintos, o sea, minimalismo y conceptualismo a sacos llenos. Aquí todo el mundo se hacía cruces y al pobre minimal le cayó el sambenito de ser la mismísima personalización del mal. Panza y su fastuosa colección fueron presa fácil de demagogos y provincianos iletrados que entendían a éste como un arte de tercera o cuarta fila.
Superados los malos tragos y visto que el negocio estaba bien enfocado, ahora, en estos tiempos más tranquilos, el minimalismo y conceptualismo vuelven a Bilbao y lo hacen por la puerta grande. Las tornas han dado la vuelta y ya nadie comparte las absurdas argumentaciones de antaño. Y, aunque corramos el peligro de creer que todo el campo es orégano, un recorrido por la instalación de la colección Panza en el museo bilbaíno, le llena a uno de ganas de vivir. El montaje se ha estructurado, casi sin excepciones, por salas. Cada espacio se dedica a un autor concreto. Se trata de no despistar al ya, por lo general, demasiado confundido espectador. El montaje ahonda en la idea de ofrecer una visión lo más completa posible de cada uno de los alfabetos estéticos que ofrecen los artistas representados. Se trata de ayudar al espectador a comprender. El esfuerzo de reunir piezas de un mismo autor no debe de ser vano. Las salas se ofrecen, una tras otra, como verdaderas lecciones de sensibilidad y percepción. Si un solo enfoque se queda corto, bien está poder abordar varios de ellos. Pero, al mismo tiempo, la coherencia formal flota sobre la colección. Ésta es una muestra dotada de una unidad indiscutible. Los artistas parecen compartir presupuestos y reflexiones y, a pesar de las múltiples particularidades de cada uno, todos ellos buscan lo mismo: hallar esa expresión simple y ordenada que, sin falsos artificios ni vacuas elucubraciones, comunique sensaciones puras, concisas y profundas. Porque el minimalismo, tiene mucho de religiosidad -entendiendo como tal el acceso a nuevos niveles de percepción-. Quien haya tenido la ocasión de penetrar en el interior de una escultura de Richard Serra, puede haber disfrutado de esa sensación de comunión íntima -y aquí sitúe cada cual el objeto de su vínculo- que sólo es perceptible si se mantienen los sentidos abiertos y la racionalidad disponible. Cuando el arte reside en algo tan frágil como es una simple idea o una sutil reflexión, cualquier hecho, por muy liviano que éste sea, puede hacer que la percepción correcta se quiebre. Por ello, si no se dan esos mínimos técnicos -un montaje a la altura de las circunstancias- y humanos -despojar la sensibilidad de prejuicios- se puede pasar de puntillas por la exposición y salir como se había entrado: sin haber comprendido nada en absoluto. Suplidos con eficiencia los primeros, centrémonos en los segundos para conseguir algún tipo de resultado satisfactorio. Como no existe arma mejor contra el prejuicio que el conocimiento, tratemos de ofrecer unas pocas claves que ayuden a comprender. Y hagámoslo yendo directamente al grano. ¿Qué hace que un grupo de piedras ordenadas sobre el suelo de un museo sean una obra de arte mientras que las mismas piedras desperdigadas en un camino no lo sean? ¿Cuál es la razón por la que una plancha de acero que cubre una zanja en plena calle y evita que los peatones caigan dentro no sea una obra de arte y la misma plancha de acero pero sin zanja debajo sí lo sea? Más difícil aún: ¿Qué consigue que una lámpara fluorescente situada en el techo de una habitación no sea arte y una lámpara fluorescente situada en el techo de una habitación sí lo sea?
Estos señalados arriba no son sino ejemplos de algunas de la obras que alberga la colección Panza: un grupo de piedras de Richard Long, una escultura de Richard Serra construida con una plancha de acero y una obra de Bruce Nauman a base de lámparas fluorescentes. Y cito estos por ser de sobra conocidos por todos los amantes del arte y en cualquier ciudad con un museo de arte moderno mínimamente decente se han tenido que exhibir. Bien, explayémonos. Primer ejemplo: Richard Long es un artista que se dedica, más que a otra cosa, a darse fenomenales paseos por el mundo. Se ha debido recorrer el planeta entero a estas alturas y, allí donde va, reflexiona sobre lo que ve. Lo cual, es de agradecer. Long piensa el entorno que visita y lo rehace en un espacio privado. Empezó trabajando directamente en el propio entorno reordenando lo que la naturaleza, por sí misma, era incapaz de hacer. Después, dio el salto a la galería y ahora nos ofrece sus magníficas geografías pétreas. Con unas cuantas piedras que el artista elige, se procede, bajo sus indicaciones, a crear un elemento geométrico. A Long ni siquiera le preocupa demasiado la perfección en la ejecución y suele dejar libertad a los que construyen físicamente la obra. Segundo ejemplo: Richard Serra trabaja en un ámbito cercano a la arquitectura. Su intención es obligar al espectador a ser partícipe de su obra. Serra invade los espacios personales de cada cual y juega con ellos. Sin un solo punto de soldadura, sus enormes esculturas de hierro entablan una lucha entre la percepción humana y las leyes de la física. Ante una escultura de Serra -digamos, incluso, dentro de una escultura de Serra-, el espectador siente el temor de que ésta se le venga encima. Y, dicho sea de paso, si a alguien se le cae encima una obra del escultor norteamericano, pasa, de modo inmediato, a mejor vida. Pero no, las leyes de la físicas son sabias y siempre prevalecen. Y lo que está pensado para que no caiga, no cae. Eso sí, la obligación de modificar nuestra percepción del espacio permanece pues las esculturas de Serra reordenan el lugar en el que se encuentran. Tercer ejemplo: Bruce Nauman logra sorprender a los poco iniciados por la cotidianeidad de sus materiales. A muchos nos les entra en la cabeza que lo realizado con algo tan trivial como un tubo de luz fluorescente, sea arte y valga su buen dinero. Pero Nauman descontextualiza el objeto y le obliga a invitarnos a percibirlo de otra manera distinta a la habitual. La luz es su materia prima e, incluso, el rumor que los tubos emiten al funcionar, nos recuerda que nada es lo que parece. Todo ello, unido a un factor esencial: el espacio elegido. La obra de Nauman alberga su verdadero potencial dentro de la sala de exposición. Ahí es donde él ha decidido golpear sobre nuestra capacidad de percepción. Ahí es donde nos hará sentir esa mezcla de perplejidad e inquietud que sus obras emanan. Dicho lo cual, extraigamos alguna conclusión para comenzar a comprender. Lo que todos estos artistas hacen, es modificar la percepción que de los objetos -cotidianos o no- tenemos. A través de sutiles señales, consiguen que modifiquemos nuestro punto de vista. Para, en todos los casos, necesitan la complicidad de nuestros sentidos y, en no muy pocos, la de nuestra inteligencia. Long ayuda a la naturaleza dar un paso más adelante y ofrecer arte. Porque lo que ella nos aporta día a día y desde que el mundo es mundo, se trata de un espectáculo grandioso, pero nunca es arte. Porque el arte es elucubración humana y sólo eso. No es posible hablar de arte sin la intervención del ser humano. Por otro lado, Serra se empeña en modificar nuestros hábitos, nuestras percepciones y nuestras reacciones. Consigue inquietar, consigue que nos hagamos preguntas y, en un ámbito más físico, consigue que modifiquemos la percepción del espacio que nos rodea. Y Nauman golpea directamente sobre nuestra concepción tradicional del arte. Ni siquiera se molesta en usar materiales convencionales. Le basta un tubo de luz fluorescente para crear su mensaje. Con una levedad pasmosa, invita a nuestra capacidad de percepción a abrirse a una nueva sensación. Esa sensación que diferencia al electricista del artista: la percepción de lo bello. Hay una frase de Frank Stella dicha en 1966 que el Museo Guggenheim se ha encargado de rescatar en el catálogo de la exposición y que dice: "Lo que se ve es lo que se ve". Con ello, Stella alude a los múltiples estadios perceptivos que tienen los objetos. Una cosa es lo que creemos que es y, además, varias de las que soñamos que sea. Basta con que alguien nos lo señale y lo haga coherentemente para que el objeto adquiera nuevas vidas. El acceso a los nuevos estadios de percepción estética es la tarea del arte. Al menos, lo fue hace ya tres décadas.
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